Le comédien John Early attendait que son film soit vu par le public. Présenté en première au TIFF l’automne dernier, le premier film d’Early est une comédie sublime qui s’engage à devenir simultanément un drame sérieux sur une femme souffrant d’un trouble alimentaire réapparu. Le secret de Maddiequ’Early a également écrit et dirigé, se joue comme un téléfilm des années 1980. Mais son dialogue hokey et guindé est un avantage. Le film de Early – ses moments comiques et dramatiques à succès – semblent totalement intentionnels. C’est un texte riche de points de contact et d’inspirations culturelles. C’est complètement absurde et pourtant un coup de poing émotionnel. Early a créé une histoire qui existe sur deux terrains de jeu, qui trouvent tous deux leur place.
Early a recruté quelques amis pour compléter le projet, avec sa partenaire comique Kate Berlant, Connor O’Malley, Vanessa Bayer et Eric Rahill dans le casting de soutien. Le secret de Maddie suit Maddie éponyme alors qu’elle devient du jour au lendemain une sensation médiatique culinaire, une créatrice de contenu pour GourMaybe et une éventuelle consultante dans une émission télévisée à succès intitulée Le sanglier. Early ne fait pas preuve de subtilité avec son premier long métrage ; il s’engage pleinement dans sa démarche. Lui et le reste de son casting croient autant à la bêtise de cette histoire qu’à son sérieux. Et c’est ce qui devient attachant, puis bouleversant, tout au long de 101 minutes.
Avant la sortie en salles de vendredi, nous avons discuté avec Early de ses inspirations pour Le secret de Maddies’engageant pleinement dans chaque scène et sa propre obsession pour le contenu alimentaire.
La scène du film : Que pensez-vous du film maintenant que cela fait presque un an depuis sa première au TIFF ?
John tôt: J’ai passé des mois à penser que je faisais ce genre de film haut de gamme, presque comme un conte de fées si éloigné de ma propre vie, et puis plus je le regarde, je me dis : « Jésus-Christ, Jean ». D’une manière plus poétique et mystérieuse, cela semble très révélateur, et cela m’a d’abord très effrayé. Donc, à l’époque du TIFF, j’étais terrifié par ça et maintenant je suis un peu plus aimant et indulgent, et j’en suis presque impressionné. Je ne suis pas impressionné par moi-même, mais je suis impressionné par la nature même de la création de quelque chose, par la manière dont vous pouvez canaliser ces sentiments inconscients sans savoir que vous le faites. Je me sentais vraiment en contrôle de ce que je faisais, et je ne l’étais pas du tout, en fait.
Pensez-vous que c’est simplement subconscient, ou pensez-vous que, peu importe ce que vous avez fait, il devait y avoir un pourcentage spécifique de vous dedans ?
Si vous êtes obligé de faire quelque chose – et dans ce cas, je me suis senti très mystérieusement obligé de le faire – s’il y a un réel désir, je pense simplement que nous nous révélons toujours, quoi qu’il arrive. Vous voyez quelque chose que vous n’aimez pas, vous allez envoyer un SMS à la personne qui l’a fait. Vous allez à une pièce de théâtre, vous n’aimez pas ça, mais vous devez leur envoyer des SMS. C’est un message texte, donc vous devriez probablement avoir tout le pouvoir et toute la distance nécessaire pour mentir et dire : “C’était incroyablement beau. Tu es un génie”, parce que tu envoies juste un message, donc tu peux simplement taper le mensonge, et pourtant, même dans un texte, tu te révèles…
Vous faites une sorte de compliment détourné.
C’est tellement fou. C’est choquant quand je me vois faire ça. Je me dis : « John, mens », mais même si c’était une mission étrange que le studio m’avait confié et que mon cœur n’y était pas, je suis sûr que j’aurais inévitablement révélé quelque chose sur moi-même.
Selon vous, d’où vient notre fascination collective pour la nourriture et comment cela s’intègre-t-il dans le film ? Et est-ce que cela révèle quelque chose sur nous ?
Ce film est né, entre autres choses, de ma propre consommation obsessionnelle de contenu alimentaire sur mon téléphone. Une chose qui m’intéressait symboliquement à propos de la boulimie, ce sont les premières connotations communes avec l’Empire romain – par exemple, les vomissements intentionnels seraient courants. Au moins sur le plan mythique, la façon dont les gens pensent à cela est que les rois – comme l’élite, la classe dirigeante – parlent de la décadence avant la chute d’une civilisation. Binging au point d’avoir besoin de vomir. Je ne sais pas. Parfois, je me demande si tout le contenu alimentaire et son excès, sa gourmandise ou sa lourdeur, comme le crémeux, sont une richesse. On a l’impression qu’il pourrait s’agir d’une sorte de mêlée collective avant la chute et l’effondrement de la civilisation.
La nourriture est une ressource. Nous en avons besoin pour survivre, et il est possible que nous ressentions tous un sentiment imminent d’effondrement écologique, à savoir que nous ne serons pas en mesure de fournir de la nourriture à tout le monde. Je veux dire, nous ne le sommes déjà pas. Les gens meurent déjà de faim, mais il semble que nous soyons au bord de quelque chose. Je pense donc qu’il est logique qu’il y ait ce genre de consommation maniaque de contenu alimentaire – avant qu’il ne disparaisse ou quelque chose du genre. Je ne sais pas. Je veux dire, c’est fou et peut-être trop noble, et je n’écrivais certainement pas sur ce sujet de la même manière avec le film, mais je pense que cela fait partie de ce qui se passe symboliquement dans le film.
On a l’impression qu’il y a de la gourmandise.
C’est le mot ! C’est gourmand.
Et j’ai l’impression que Bon Appétit a été remplacé par Chef’s Table, puis remplacé par des millions de vidéos sur TikTok que je regarde.
Exactement. C’était comme si les portes ne s’étaient pas ouvertes, le barrage n’était pas encore détruit. Le truc du Bon Appétit me fascine évidemment, évidemment. Parce qu’il y a eu juste cette brève fenêtre de temps où nous avons eu cette forme quelque peu élégante de la vidéo Bon Appétit, parce que c’est une sorte de doc. C’est doux ; c’est du style doc. Il n’a pas de format d’édition agressif. Ce n’est pas irritant, c’est simplement regarder quelqu’un qui est bon dans ce qu’il fait.
J’ai vraiment adoré ces vidéos, et puis tout d’un coup – je suppose pendant le confinement – tout a été transféré sur le téléphone, et c’était comme de la nourriture TikTok, de la nourriture Instagram. Les vidéos ont tout perdu, se sont condensées en un rien de temps, et elles sont devenues très rapides, et la conception sonore est devenue très pornographique, et cela délibérément. Il y a beaucoup d’écrasements, de siphons et de gifles. C’est là que j’ai vraiment senti que je savais ce que je faisais avec ce film, car ces vidéos me faisaient penser à Paul Verhoeven, tout comme la conception sonore de Showgirls et Soldats de l’espace. C’est totalement pornographique, mais d’une manière très consciente et très drôle. Je pense que c’est très charnel, et je me disais : « Attends, attends, attends, attends. » C’est à ce moment-là que l’on est passé d’une petite expérience de genre à un film.
Photo d’Arin Sang-urai, gracieuseté de Film at Lincoln Center.
Le film a cette bêtise intentionnelle, presque une nature hokey. Et quelques instants plus tard, ce sera intensément sérieux et chargé d’émotion d’une manière qui n’est certainement pas jouée pour rire. Comment essayez-vous de trouver un équilibre entre ces deux tons ? Ou essayiez-vous même de les équilibrer nécessairement ?
Je savais qu’être délicat, sur la pointe des pieds et prudent allait être la mort de ce film. J’ai évidemment choisi un sujet qui, dans la culture d’aujourd’hui, inviterait très facilement à la prudence, mais j’ai dû vraiment me forcer à ne pas céder à ce sentiment. J’ai juste suivi les règles du genre au niveau du scénario, puis il a fallu aborder chaque réplique avec un engagement total et sans faille. Ensuite, j’ai su que je devrais abandonner ce que j’avais besoin que le public fasse à un moment donné et laisser tomber les jetons là où ils le pouvaient, sur le ton.
C’était notre travail de nous engager, et ensuite ce serait au public de décider ce qu’il ressentait. Mais je pense que ce qui se passe, c’est qu’à mesure que vous passez de plus en plus de temps avec l’engagement… c’est comme au début vous riez parce qu’il y a des blagues, bien sûr – il y a des bêtises, il y a des bêtises conscientes, des gags et tout ça – mais aussi une partie de la raison pour laquelle les gens rient est juste l’audace du principe et de notre engagement envers le style. Ensuite, on s’habitue à l’engagement, on l’accepte, et c’était exprès. Je voulais que ce ne soit pas un croquis. Je ne voulais pas que ce soit un sketch de 12 minutes. Je voulais que ce soit un long métrage, pour qu’à partir d’un certain moment, on soit vacciné.
Et puis vous cédez à l’émotion. Au fur et à mesure que le film avance… et ce n’est que mon expérience d’écriture : au début du scénario, on se concentrait davantage sur l’équilibre entre certains des éléments les plus tragiques et l’humour, puis au fur et à mesure que le film avançait, j’étais de plus en plus émotif au fur et à mesure que je l’écrivais. C’était complètement fou. Je n’ai jamais vécu cette expérience auparavant sur le plan artistique. Je ne me suis jamais considéré comme ce genre d’artiste, mais j’étais une putain d’épave en écrivant le scénario. Je pleurais, et je… je pense que c’est mon âge.
Ce n’est pas comme si j’avais décidé de faire quelque chose qui serait plus dans le style de quelque chose que j’aurais fait quand j’avais 23 ou 24 ans. Je voulais faire quelque chose de subversif, de sauvage et de scandaleux, et de braillard ou quelque chose du genre. Mais en vieillissant, je ne sais pas, c’est peut-être que vous devenez un peu plus protecteur envers les personnages que vous écrivez. Je me sentais juste très protecteur envers Maddie, et je tenais à elle, et ça m’émouvait. C’était une réponse émotionnelle tellement intense. Je me disais simplement : “Je dois faire confiance à cela, et quelque chose se passe ici. Je vais lui faire confiance.” Avant que je m’en rende compte, nous tournions ces scènes intensément émouvantes, et je porte une perruque, et je me disais : « Qu’est-ce que j’ai fait ?
Qu’en est-il des couleurs du film, qui semblent encadrer les émotions de Maddie ? Elle parle à sa mère au téléphone en bleu foncé ; elle prépare la nourriture devant du rouge vif. Il y a une luminosité dans ce monde.
S’il y a une grande influence, c’est Marniele film d’Hitchcock. L’une des choses que j’aime absolument dans ce film, c’est qu’il est psychologiquement terrifiant, et qu’il est plein de violence physique, émotionnelle et sexuelle, mais en surface, ce sont ces couleurs pastel féminines et lumineuses. Ce sont ces petits jaunes canari et ces roses Pepto Bismol. C’est un film du début des années 60, mais il a un look très années 50, et c’est juste très féminin et délicat avec ces petites pastilles, ou pastels comme les bonbons. C’est comme ces petites menthes que vous récupérez et qui sont recouvertes de germes. Ce sont ces couleurs.
Même au centre de traitement, je ne voulais pas m’abandonner totalement à la tristesse et à la dureté. Je ne voulais pas punir le public. Je voulais qu’il y ait encore une sorte de répit dans sa palette de couleurs féérique. Je voulais que ce soit toujours le cas… même dans les moments les plus sombres et les plus émouvants, je voulais que vous vous sentiez toujours en sécurité, comme si vous étiez entraîné dans un rêve, un conte de fées ou une douce petite histoire. Et puis les couleurs viennent aussi de Los Angeles. Parce que Los Angeles, pour moi, est toujours décrite comme étant un endroit miteux et artificiel où c’est comme des boulots de seins et du smog. Mais il regorge en réalité de plantes tropicales totalement psychédéliques, d’une faune sauvage et de fleurs aux couleurs vives. C’est comme un conte de fées.
Le secret de Maddie ouvre en version limitée à partir du vendredi 19 juin.
Credit Post By: Michael Frank