L’une des plus grandes stars de l’ère d’or d’Hollywood, et probablement l’homme principal par excellence du Film Noir (à côté d’Edward G. Robinson bien sûr), Humphrey Bogart a grandi dans une période chaotique de l’histoire américaine, dans une famille de la classe moyenne supérieure qui avait de grandes attentes. Il a suivi différents parcours professionnels, notamment en tant que marin militaire, où il aurait obtenu sa cicatrice faciale caractéristique (bien que l’histoire exacte soit débattue).
Finalement, il a trouvé une place sur la scène théâtrale new-yorkaise, où il a fait sensation et a finalement obtenu des concerts au cinéma et à la radio, même s’il n’était pas considéré comme un homme de premier plan. Il a été relégué parmi les gangsters et les psychopathes pendant la majeure partie des années 30 au cours de son contrat avec Warner Bros. Mais, une chose étrange s’est produite, alors que les dirigeants du studio ne l’aimaient pas, les critiques et le public lui ont écrit des éloges, et une star montante souffrant d’orgueil, George Raft (Scarface), a accidentellement ouvert la voie à Bogart ; Raft a refusé des rôles dans « High Sierra » (1941) et « The Maltese Falcon » (1941). Bogart a assumé les deux rôles, ce qui a fait de lui l’un des hommes les plus excitants de la masse salariale de la Warner.
Le célèbre romancier Raymond Chandler a dit à propos d’Humphrey Bogart : « Tout ce qu’il avait à faire pour dominer une scène était d’y entrer. » Et c’est là que réside l’attrait, c’était un homme étrange, mais la caméra l’aimait, et il savait vraiment comment la contrôler, alors qu’il passait de petits rôles de voleur de scène dans les années 1930 à des rôles majeurs dans les années 40, à un passage fort mais bref dans les années 50, avant sa mort prématurée d’un cancer en 1957.
Bogart était une véritable présence qui pouvait posséder n’importe quel type de rôle, même si c’est son personnage alpha brut de marque qui est ce pour quoi on se souvient le plus de lui, dans des films sismiques comme “Casablanca”, “Le Trésor de la Sierra Madre”, “Key Largo”, “Le Grand Sommeil”, “La Reine Africaine” et “Avoir et ne pas avoir”. Mais l’homme était capable de jouer n’importe quoi, de la comédie à la romance, les étapes sont si grandes qu’on oublie le reste, explorons quelques-uns de ces autres joyaux cachés qu’il a découverts au cours de son bref mais légendaire passage au sommet…
1. Impasse (1937)
Après avoir finalement fait forte impression auprès des critiques et du public dans « La Forêt pétrifiée » (1936), Bogart avait commencé à faire monter la pression. Ce projet était censé être une rampe de lancement pour les Dead End Kids et les protagonistes romantiques Joel McCrea et Sylvia Sidney. Malheureusement pour eux (mais pas pour nous), Bogart reprend essentiellement tout le film dans un rôle de méchant.
L’action se déroule au cours d’une journée dans les bidonvilles de New York au bord de la rivière, embourgeoisés par les riches. Nous suivons des intrigues qui se croisent, celle d’un groupe d’enfants sans issue (joués par… enfin, les Dead End Kids), d’un architecte raté (McCrea) et d’une romance avec une fille du quartier (Sidney). Le plus fascinant, cependant, est l’histoire mettant en scène un fameux truand (Bogart) qui revient dans le quartier.
Alors que Bogart est l’intrigue B, semblable aux événements de « La Forêt Pétrifiée », son histoire de méchant parvient à détourner les débats, alors que son gangster traverse un arc de fierté arrogante jusqu’à une amère déception, s’attendant à ce que le tapis rouge soit déroulé à son retour. Il s’engage sur un chemin autodestructeur et tout cela porte ses fruits dans une finale époustouflante filmée.
L’attrait du film est certainement aidé par le fait qu’il a été réalisé par William Wyler (Ben-Hur, The Desperate Hours) et filmé par Greg Toland (Citizen Kane), visuellement, c’est absolument époustouflant, surtout lorsque le soleil se couche sur les immeubles, et que tous deux peignent le décor avec de la lumière. La course-poursuite/fusillade entre Bogart et McCrea à la fin est inventive et captivante en raison de la créativité manifestée par les collaborateurs.
Bien qu’à l’époque, ce film ait été nominé pour l’Oscar du meilleur film, il est oublié rétrospectivement, probablement parce que Bogart n’est pas la star principale. Pourtant, depuis la fin de la trentaine, où il se bâtissait une réputation de joueur énigmatique à l’écran, c’est probablement l’un des meilleurs, à côté de titres plus connus comme « Les années folles » et « La forêt pétrifiée » susmentionnée.
2. Légion noire (1937)
La même année que “Dead End”, sort cet impressionnant rôle principal de Bogart, un film qui traitait d’un sujet extrêmement brûlant pour l’époque, basé sur des événements réels. C’est une montre essentielle pour sa période pré-célébrité.
Bogart incarne un honnête ouvrier d’usine et père de famille dans une petite ville américaine, qui devient amer parce qu’il n’a pas été promu par un immigrant polonais. Il tombe entre les mains de la Légion noire, une émanation du Ku Klux Klan, et emprunte un chemin catastrophique alors qu’ils le manipulent de la pire des manières possibles.
Après des années passées à jouer des seconds rôles génériques, c’était vraiment le premier véritable rôle principal que Bogart décrochait et, sans surprise, il est captivant. Nous suivons cet homme sérieux, alors qu’il devient cynique et violent, tournant le dos à sa famille et à ses amis, tout en étant capable de sympathiser et de comprendre chaque sombre pas en avant. Le pouvoir de Bogart en tant qu’interprète est pleinement visible, alors que la plupart de ses pairs populaires s’appuyaient sur le théâtre et le sens du spectacle, il a été capable de livrer une performance qui semble réelle et pertinente, sans craindre la laideur, tout en martelant une coda tragique dans la scène finale du film. C’est déconcertant qu’il n’ait pas reçu d’offres juste après ce film, mais il était aussi un acteur en avance sur son temps, et ce temps avait besoin de rattraper son retard.
Archie Mayo (La Forêt Pétrifiée) réalise, et de tous les collaborateurs réguliers de Bogart, il était le moins intéressant visuellement ; cependant, il savait simplement pointer la caméra vers l’acteur et ne pas laisser d’autres choses gêner, ce qui aboutissait essentiellement à une vitrine pour ses débuts d’acteur.
Il est intéressant de noter que Michael Curtiz (Casablanca, We’re No Angels) effectuerait un travail secondaire sur le film, ce qui en ferait la première, non officielle, de huit collaborations avec l’acteur.
3. Toute la nuit (1942)
En 1941, Bogart avait connu un succès auprès des critiques et du box-office ; cependant, Warners essayait toujours de savoir quoi faire de lui. Cela l’a amené à être choisi dans cette comédie/thriller absolument déroutant, bizarre et incroyablement amusant qui voyait l’acteur dans un tout autre équipement que celui auquel nous sommes habitués (remarque intéressante : c’était encore un autre rôle que George Raft avait refusé).
Bogart incarne un sympathique racketteur et chef de gang, dont l’existence confortable est bouleversée lorsque son boulanger préféré finit par mourir, et il n’est pas disposé à laisser la justice entre les mains de la police. Au cours d’une nuit folle, il se retrouve entraîné dans un complot en spirale impliquant des espions, des femmes fatales, des aristocrates étrangers et même les nazis eux-mêmes.
Réalisée par Vincent Sherman, après que Bogart ait eu la désagréable expérience de tourner avec lui “Le Retour du Docteur X” (1939) (le seul film où Bogart jouait un monstre de film d’horreur), cette collaboration a cependant été une expérience agréable pour les deux, et le sentiment est contagieux dès le saut. Malgré les pièges de la comédie, Sherman tourne le film comme un mystère de niveau A, avec un éclairage net et des scènes d’action fortement exécutées. L’humour vient du hors-page, des dialogues à la mitrailleuse, de l’intrigue idiote et de l’ensemble des acteurs qui sont pleinement impliqués dans la blague.
Ce casting de Bogart n’est étonnamment pas un bouleversement à 180, il joue essentiellement son voyou sympathique, mais dans un type de film tout à fait différent, et quand il est censé être drôle, il le tue absolument (avec une scène phare le faisant voler en dialecte allemand lors d’une réunion clandestine nazi). L’ensemble est également incroyable, avec le vétéran du Maltese Falcon Peter Lorre et un des premiers Jackie Gleason, entre autres.
Le film a dérouté le public lors de sa sortie, mais s’est perdu dans le mélange, sans surprise, passant du thriller mystérieux à la comédie en passant par l’action d’espionnage, mais il colle à l’atterrissage et tient vraiment le coup aux yeux modernes, avec probablement la recommandation la plus forte de cette liste.
4. Sahara (1943)
À cette époque, la Seconde Guerre mondiale battait son plein et Hollywood faisait de son mieux pour réaliser des films remontant le moral avec ses grandes stars comme Gary Cooper et John Wayne. Bogart ne correspondait pas vraiment à ce moule, mais désireux de changer de rythme, il a accepté ce type de travail et, étonnamment, il s’adapte parfaitement à la mission.
Situé dans le désert d’Afrique du Nord, Bogart est le commandant d’une escouade de chars, alors qu’ils se retirent d’une féroce défaite et rassemblent des survivants hétéroclites en chemin. Les choses se transforment soudainement en une mission déterminée pour se mettre en sécurité alors qu’ils sont poursuivis par un bataillon implacable d’Allemands, sans parler de la chaleur torride, de la diminution des approvisionnements et du manque d’eau.
Magnifiquement tourné par Zoltan Korda (Les Quatre Plumes), il s’agit d’un film de guerre dépouillé, austère et en sueur, dans lequel un casting solide rebondit les uns sur les autres alors que tous les éléments agissent contre eux. C’est tendu, captivant et parfois effectivement émouvant (les derniers instants d’Angelo D’Angelo me viennent à l’esprit comme étant puissamment déchirants).
La pièce entière est ancrée par Bogart, jouant le capitaine coriace mais fatigué, un homme qui porte la responsabilité de toute son équipe sur ses épaules, et l’acteur se glisse facilement dans le rôle-type ; son caractère bourru et son attitude pragmatique scellent l’accord en tant qu’homme d’autorité qui cache les conflits internes. Bien qu’il ait réalisé quelques autres films de première ligne (Across the Pacific, Passage to Marseille), celui-ci était probablement le meilleur et valait la peine d’être déterré, avec une action forte, de belles photographies en noir et blanc et un pathétique émotionnel efficace.
5. Conflit (1945)
Au début des années 40, Bogart était enfin un homme de premier plan très demandé. Avec Warners, il a été engagé pour réaliser cet élégant Noir, tourné en 1943 à l’époque de la sortie de Casablanca. Bogart détestait personnellement l’expérience du tournage, probablement en raison de problèmes personnels étroitement liés à l’époque, et le studio l’a presque enterré. Heureusement, cela ne s’est pas produit, car cela donne lieu à une histoire de moralité craquante et délicieusement sombre.
Bogart incarne un mari fatigué dans un mariage toxique ; sa femme (jouée par Rose Hobart) ne le laisse pas divorcer, alors il prend les choses en main et la fait sortir de cette spirale mortelle, la dissimulant comme un crime parfait. Cependant, à mesure que le temps passe, il commence à être hanté par la possibilité qu’elle ait vécu, sans parler des recherches incessantes de l’enquêteur avisé de Sydney Greenstreet.
Bogart traversait un divorce tristement célèbre pendant le tournage et, franchement, ce film lui était trop proche. Pourtant, c’est ce qui le rend fascinant, car il s’agit probablement de l’un de ses plus personnels, le conflit amer entre les couples mariés au premier acte nous permet de nous pencher sur sa propre expérience. Son mari évidé est une enveloppe d’homme, amer et morose, mais, comme toujours, Bogart le rend fascinant à regarder, alors que son monde s’effondre, et ses scènes du chat et de la souris avec son collaborateur régulier Greenstreet sont enflammées et tendues.
Curtis Bernhardt (Possessed) réalise, et contrairement à plusieurs de ses compatriotes cinéastes, comme Fritz Lang et Robert Siodmak, qui ont fui l’Allemagne pour Hollywood avant la Seconde Guerre mondiale, il n’a pas atteint le même niveau de succès aux États-Unis. C’est vraiment dommage car il est absolument époustouflant derrière la caméra, le film respire la tension et l’effroi dès le départ, avec des mouvements de caméra époustouflants et un éclairage élégant qui jaillit de l’écran, ce qui en fait un thriller noir sous-estimé qui nécessite plus d’appréciation – même si l’appréciation n’a pas été partagée par la star elle-même.
Credit Post By: Thor Magnusson