Je suis loin d’être le premier cinéphile à le souligner, mais rien ne remplace le film imprimé lorsqu’il s’agit de transmettre une texture.
La qualité nette du numérique peut apporter de la clarté, mais il y a une profondeur dans une impression qui peut transmettre tant de choses pour les sens qui ne sont pas directement concernés par le visionnage d’un film. Bien que la qualité sonore s’applique à n’importe quel film, et c’est quelque chose que tout cinéaste en herbe devrait savoir : vous pouvez vous en sortir avec une qualité visuelle qui n’est pas excellente, mais une mauvaise qualité sonore ruinera un film.
Heureusement, ce film ne pose pas de tels problèmes. Mark Jenkin, avec ses précédents traits, Appât et Enys Hommesmontre non seulement comment les moyens d’un film font partie de l’histoire, mais aussi comment les moyens particuliers du film imprimé, ainsi que le temps et le soin investis dans le son de post-production, font toute la différence, que le film soit un drame réaliste social ou une horreur expérimentale. Aujourd’hui, il mélange ces deux genres dans son troisième long métrage, Rose du Nevada.
La scène est familière à ceux qui ont vu les films précédents de Jenkin : un petit village de pêcheurs en Cornouailles. Ou, plus exactement, un ancien village de pêcheurs. Il semblerait qu’il n’y ait plus beaucoup de pêche. La rue principale semble déserte : l’ancien bureau de poste est désormais une banque alimentaire et le pub n’a qu’un seul client.
Nick (George Mackay) essaie de réparer un trou dans le toit de la cuisine pour protéger sa famille de la pluie, tandis que sa femme s’occupe de la voisine, Mme Richards (Mary Woodvine). Il semble qu’elle soit dans un état presque catatonique depuis que son fils s’est suicidé il y a des années, après avoir laissé un bateau de pêche à court d’un homme, un bateau qui a ensuite été perdu, et le fils s’en est voulu. Mais quelque chose lui fait dire qu’il rentre à la maison. À peu près au même moment, le bateau Rose of Nevada, perdu en mer il y a 30 ans, a regagné le quai local.
Le propriétaire du bateau (Edward Rowe) décide de le renvoyer en mer, et un mystérieux skipper (Francis Magee) fait une apparition étrangement parfaitement synchronisée pour organiser les sorties de pêche. Mais ils ont besoin de deux équipages : Liam (Callum Turner) est un vagabond sans abri, certainement pas originaire de Cornouailles mais qui a besoin d’argent et d’un oreiller sur lequel reposer sa tête, alors il est prêt à s’inscrire à n’importe quoi. Nick accepte le travail pour payer la réparation du toit, même s’il hésite à quitter sa femme et sa fille, qui l’accompagnent au quai, comme le font tous les bons conjoints de pêcheurs. Le skipper enseigne aux deux hommes les techniques : simples mais exigeantes physiquement, et c’est parti.
Liam et Nick forment le genre de camaraderie qui vient d’un dur labeur partagé, mais cela ne fait pas d’eux des amis instantanés. Alors, quand ils reviennent après quelques jours avec une bonne prise de poisson, Liam veut aller au pub, mais Nick veut juste voir sa famille. Mais quelque chose s’est produit : la rue principale est remplie de voitures et de gens, la banque alimentaire est un bureau de poste, le pub est plein et une femme appelle Liam « Alan » et lui ordonne de rentrer à la maison avec elle et leur fille. Il semble qu’ils aient remonté le temps, et Liam est maintenant l’homme qui s’est perdu avec le bateau, et Nick est considéré comme l’homme qui est resté à terre.
Même si n’importe quel appareil photo peut vous montrer la beauté et le danger de la mer, il faut un bon son pour exprimer la connexion auditive et une impression pour exprimer la texture des filets de pêche, les chaînes rouillées, la sensation d’un poisson écailleux lorsque vous déchirez un couteau dans ses entrailles, puis les lancez aux mouettes qui planent. Tout cela donne au public le goût du sel marin présent dans l’air. Juste ces deux hommes et leur capitaine, essayant de gagner leur vie qui les éloigne de la terre pendant des jours. Mais c’est ce qui est nécessaire pour survivre, dans un endroit qui ne leur laisse guère d’autre choix quant aux moyens de survie.
Pour Liam, une sorte de vagabond voyou, se voir soudainement propulsé dans le rôle de mari et de père est un ajustement, mais vers lequel il se tourne. Peut-être en tant qu’homme habitué à la solitude, les journées sur le bateau sont le répit dont il a besoin, mais les journées avec cette famille inattendue lui ont donné un équilibre de sécurité. Avant, il n’avait rien, mais maintenant il a quelque chose.
Pour Nick, c’est tout le contraire : il avait quelque chose, et maintenant il n’a plus rien, du moins c’était le sien. Sa femme et son enfant n’existent pas dans ce monde ; ses voisins le voient comme son fils, et il connaît l’avenir qui les attend, anéanti par le chagrin, si Nick suit le chemin de son fils. Nick préfère dormir sur le sol de sa future maison actuellement vide, plutôt que d’accepter ce destin de voyage dans le temps. Chaque fois que le bateau revient au quai, Nick prie pour un retour à son époque.
Mais la mer a d’autres idées. Dans un endroit comme les Cornouailles, qui s’étend à l’extrémité sud de l’Angleterre, avec sa propre langue et sa propre culture, la mer est un dieu ancien qui enveloppe encore tout. La mer joue-t-elle des tours à Liam et Nick, ou a-t-elle renvoyé la Rose du Nevada dans un but précis ? Le poids du chagrin, non seulement des parents face à la perte d’un enfant, mais aussi de la communauté face à la perte de son identité, a-t-il fait pencher la balance en faveur d’un individu ?
Comme pour ses films précédents, Jenkin a tourné le film avec une caméra Bolex à remontage, en 16 mm. Même avec deux époques différentes, on ressent encore une légère distinction : le passé ressemble à une sorte de nostalgie, mais le temps contemporain semble usé, et les deux sont évoqués à travers cette même caméra. La manivelle évoque également la même manivelle des chaînes utilisées sur le bateau pour tirer la prise de poisson espérée, cette représentation d’une communauté. Jenkin recherche la communauté à la fois dans le travail de collecte de nourriture et dans le travail de création et de représentation artistique.
Rose du Nevada montre une fois de plus Jenkin comme une voix rare qui combine talent artistique et histoires d’urgence sociale, son travail pour réaliser un film reflétant le travail qui accompagne la communauté. Il y a des voix individuelles, mais la force vient du contact humain, de la connexion, de certains sacrifices et de la compréhension des anciennes voies qui nous gouvernent encore tous, même si ce n’est que depuis les profondeurs.
Critique initialement publiée lors du Festival international du film de Toronto 2025. Le film sort le vendredi 19 juin, uniquement dans les salles de cinéma, via 1-2 Special.
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