Chaque année, le Festival de Cannes rassemble neuf cinéastes – réalisateurs, écrivains, acteurs et artisans respectés – pour juger la compétition principale. Comme le suggère le format, les résultats varient. Il n’est pas surprenant que des rumeurs faisant état de querelles et de désaccords entre jurés s’infiltrent. Certains jurys cannois sont plus harmonieux que d’autres. Certaines années sont tristement célèbres pour les tirs isolés qui ont éclaté dans le public.
Le temps aussi change la perspective. Un film apprécié, voire aimé, peut s’effacer tandis que le lauréat du Grand Prix accède au statut de classique. Certains lauréats de la Palme d’Or sont des favoris unanimes qui font parler d’eux jusqu’à ce que la cérémonie les officialise. D’autres sont des choix sortis de nulle part qui montrent à quel point le discours diffère des goûts du jury. D’autres, de nombreux films sur cette liste, sont des choix inattendus – assez respectables et appréciés mais quelque peu tièdes – qui reflètent un jury pendu négociant des sensibilités contradictoires.
Tout cela pour dire que le meilleur film ne gagne pas toujours, et ce siècle regorge de films qui se sont vu refuser la Palme mais ont gagné en stature à mesure que le film qui les a battus est devenu une note de bas de page dans l’histoire du cinéma. Certaines rebuffades étaient alors évidentes, d’autres seulement plus tard. Mais voici 10 films qui auraient dû remporter la Palme d’Or ce siècle.
1. Promenade Mulholland (2001)
La Palme d’Or 2001 est revenue à La Chambre du Fils, le drame de Nanni Moretti sur une famille en deuil après un tragique accident. Il n’est pas difficile de comprendre pourquoi Moretti a gagné. C’est un pilier de Cannes et une figure renommée du cinéma européen qui a offert exactement le genre de drame doux et tendre qui comptait à l’époque comme du grand cinéma. Mais la concurrence était forte, et elle comprenait un film souvent cité comme le meilleur film du siècle.
Ce film était Mulholland Drive. Rétrospectivement, il est difficile de prétendre que The Son’s Room est un meilleur gagnant que le pilote de télévision raté de David Lynch devenu la fantasmagorie des rêves fébriles du passé et du futur d’Hollywood. Le film de Moretti était léger et doux, avec un pied ferme dans les années 1990. Le film de Lynch était un voyage à travers l’espace et le temps qui continue de susciter des débats et d’inviter d’innombrables reprises. C’est tour à tour intrigant, terrifiant et obsédant, et si la présence de vidéos théoriques sur YouTube est une indication, cela restera un mystère sur lequel le public reviendra pendant longtemps.
2. Irréversible (2002)
Le jury de Cannes n’est pas à l’abri des égalités, c’est pourquoi certaines candidatures de cette liste visent moins à attribuer la Palme d’Or d’un film à un autre qu’à partager l’amour, ou du moins à suggérer un choix tout aussi valable. Le Pianiste est un film contre lequel il est difficile de s’opposer, même si l’on tient compte du Roman Polanski, mais la sélection de 2002 comprenait un certain nombre de films stylistiquement audacieux qui auraient pu au moins partager le prix ou justifier que Le Pianiste reparte avec un Grand Prix. Trois des entrées sans doute les plus excitantes et innovantes sont rentrées les mains vides : la merveille one-shot Russian Ark, le méta-chef-d’œuvre musical 24 Hour Party People et le tristement célèbre Irreversible de Gaspar Noe.
Alors que la folie anarchique de 24 Hour Party People serait un choix inspiré, cette machine à sous revient à Irreversible. Compte tenu des débrayages et du vitriol reçu par le film, l’idée qu’il reçoive la Palme d’Or aurait été impensable à l’époque, et son nihilisme et sa violence graphique continuent de rebuter et de marquer les spectateurs. Mais c’est aussi l’œuvre d’un cinéaste techniquement inventif qui raconte un récit cohérent et bouleversant d’une manière qui transcende les gadgets. Son idée centrale est peut-être que le temps détruit tout, mais sa violence graphique a également servi d’antidote puissant à la glorification hollywoodienne de la violence. Ce n’est peut-être pas une montre agréable, mais c’est une montre formidable de la part de l’un des cinéastes les plus passionnants et les plus compétents de l’époque.
3. Vieux garçon (2004)
Oldboy de Park Chan-wook est désormais un classique. Sa scène de couloir a été imitée et reproduite mais rarement, voire jamais, dépassée, et son mystère central continue de confondre les nouveaux spectateurs. Il a perdu la Palme d’Or face au 11 septembre, un choix si largement considéré comme politique que le président du jury, Quentin Tarentino, a dû insister publiquement sur le fait qu’il s’agissait d’un choix unanime du jury basé sur la valeur cinématographique du film. Pour être honnête, attribuer le 11 septembre à Fahrenheit, pour des raisons politiques ou non, était un choix audacieux qui soulignait l’illégalité et la brutalité de l’invasion de l’Irak par le gouvernement américain après le 11 septembre.
Mais ce n’était pas le meilleur film de la compétition, et si le film de Moore sortait aujourd’hui, il aurait plus de chances d’être présenté en avant-première sur YouTube que sur la Croisette. Alors que 2004 avait d’autres dignes prétendants comme Wong Kar-wai, Lucretia Martel et Shrek 2, il est indéniable qu’Oldboy occupe une place dans les canons cinématographiques modernes qui font le pont entre l’art et le box-office. C’est un film propulsif, sombre et choquant qui captive le public et ne le lâche plus jusqu’à son final tordu. Il y a eu beaucoup de travail formidable et important cette année-là, mais Oldboy était probablement le plus durable de tous.
4. Le Labyrinthe de Pan (2006)
Tous les lauréats de Cannes ne sont pas nécessairement censés être le choix le plus important, le plus fou et le plus mémorable de leur année. Après tout, une partie de la puissance du festival réside dans la valorisation de films qui autrement seraient passés inaperçus – en particulier auprès du public européen et américain – sans cet élan en or. Mais Le Labyrinthe de Pan était une réussite cinématographique si remarquable, un beau travail d’imagination qui a remodelé certaines des images et des thèmes les plus sombres de l’après-guerre en quelque chose à la fois fantastique et horrible, que son snobisme (il n’a rien gagné) est une véritable injustice.
Le premier prix est revenu cette année-là à The Wind That Shakes the Barley de Ken Loach, un digne gagnant qui a finalement décerné une Palme d’Or tant attendue à Ken Loach. Sans nuire à ce travail, il ne serait pas exagéré de demander que le prix soit partagé entre deux films qui abordent un sujet similaire mais de manière très différente. En fait, décerner ce prix à deux films axés sur les guerres passées et d’une grande pertinence pour leur public contemporain aurait honoré deux excellents films tout en faisant le genre de déclaration que d’autres jurys ont désespérément voulu faire.
5. Mélancolie (2011)
Il est largement spéculé que Lars von Trier a réussi à sortir d’une deuxième Palme d’Or et à devenir persona non grata lors de la conférence de presse de Melancholia, envoyant le premier prix à Tree of Life de Terrence Marlick. L’idée que la Palme d’Or se situe entre un film sur la naissance de la vie et un film sur sa fin est amusante, mais même dans une liste de compétition qui comprenait Once Upon a Time in Anatolia, le futur oscarisé The Artist, The Skin I Live In, Sean Penn en idole gothique chassant les nazis dans This Must Be the Place et We Need to Talk About Kevin, le vainqueur légitime les domine tous comme une planète qui sort de son orbite.
Melancholia est une grande histoire en petit, l’histoire des sœurs Justine (Kirsten Dunst) et Claire (Charlotte Gainsbourg) confrontées à la fin du monde. Le mariage de Justine est déjà un désastre avant l’annonce selon laquelle une planète voyou est sur une trajectoire de collision avec la Terre. Les réactions des sœurs constituent l’essentiel de l’histoire de von Trier : Justine, chroniquement déprimée, fait preuve d’un calme étrange tandis que Claire, normalement pondérée, ne peut s’empêcher de marchander et de désespérer. La mélancolie est régulièrement considérée comme l’une des manifestations cinématographiques les plus précises de la dépression, et cela suffirait à garantir sa pertinence continue sans la pure beauté du film. Comme des tableaux infernaux de Bosch animés au ralenti alors qu’une caméra se déplace lentement dessus, Melancholia est un film envoûtant et désespérément merveilleux – brutal, beau, honnête – et l’un des meilleurs du siècle.
Credit Post By: BJ Thoray